Por que você precisa fotografar arquitetura e quem teve mais sucesso nisso? Arquitetura: escolhendo o ponto de disparo certo.

A arquitetura que nos rodeia todos os dias é um tema muito popular para a fotografia. Siga estes regras simples, que o ajudará a tirar fotos impressionantes de arquitetura.

Arquitetura é um tema amplo que abrange desde arranha-céus até barracos. Onde quer que vamos, em quase todos os lugares estamos rodeados de objetos arquitetônicos. E, portanto, não é de surpreender que este gênero de fotografia seja tão popular.

Apesar desta variedade, existem vários princípios e técnicas que se aplicam à maioria das situações. Conhecê-los o levará a ter mais cuidado com o enquadramento, a composição e a iluminação ao fotografar.

Praticando continuamente, você desenvolverá seu olhar para a fotografia arquitetônica. Isso irá ajudá-lo a fotografar objetos mais de uma forma interessante, evitando composições repetitivas e adicionando mais personalidade às suas tomadas.

Arquitetura antiga

Ao fotografar arquitetura antiga, uma composição simples e clara costuma funcionar melhor, mostrando a beleza natural e a elegância dos edifícios. É bom incluir elementos da paisagem circundante na moldura para contextualizar a arquitetura e adicionar espaço.

A composição simples confere uma aparência majestosa aos edifícios antigos. Foto de Stephen Murphy.

Arquitetura moderna

Se você estiver fotografando arquitetura moderna, use um estilo mais moderno e abstrato. Experimente lentes grande angulares para criar perspectivas extremas ou fotografe uma estrutura de um ângulo incomum. Além disso, como os edifícios modernos são pressionados uns contra os outros, você pode colocar apenas o edifício no quadro sem fazer com que a imagem pareça pouco natural.

Ao fotografar arquitetura moderna, um estilo mais abstrato funciona melhor. Foto de Rohit Mattu.

Dê contexto à arquitetura... ou não

Mostrar ou não o espaço envolvente de um edifício depende da situação e da mensagem que se pretende transmitir. Pergunte a si mesmo se o ambiente irá adicionar interesse à sua foto ou ser uma distração. Se a paisagem complementa a sua construção, amplie a moldura, mas se os objetos ao redor não corresponderem à sua ideia, recorte-os.

Habilitando alguns elementos ambiente no quadro pode adicionar contexto ao seu assunto. foto Roba Sobrecache.

Por exemplo, considere um edifício antigo no centro cidade moderna. Se quiser transmitir esta sensação de incongruência, então será importante mostrar também outros edifícios modernos próximos. Mas se você quiser apenas destacar a beleza da arquitetura antiga, os novos edifícios apenas desviarão a atenção.

Iluminação

A iluminação é uma parte importante da fotografia arquitetônica. É claro que nada pode ser dito sobre a posição e orientação do edifício, e a iluminação do edifício em si não é discutida. Portanto, temos que trabalhar com o que a natureza nos deu.

A iluminação frontal tende a produzir as melhores fotos. Proporciona mais luminosidade e deixa sombras longas e interessantes na fachada do edifício, realçando os detalhes da superfície e conferindo à estrutura um aspecto tridimensional.

Usando a iluminação frontal, você pode destacar a textura e os detalhes de um objeto arquitetônico. Foto de Gianni Domenici.

A retroiluminação é o pior tipo de iluminação para fotografia arquitetônica porque renderiza superfícies de uma forma muito comum e escura. A melhor maneira interagir com a luz de fundo é cortar o céu do quadro e usar uma velocidade lenta do obturador para salvar pelo menos alguns detalhes, ou fotografar um edifício como uma silhueta. Ou você pode esperar até escurecer...

Fotografar à noite

Mesmo os edifícios mais enfadonhos ganham vida à noite - na verdade, muitos edifícios e centros modernos são projetados tendo a noite em mente. Depois de escurecer são iluminados com dezenas de luzes que trazem cor e brilho, e lançam sombras fantásticas nas fachadas.

A iluminação noturna dramática pode realmente trazer vida a um edifício. Foto de Trey Ratcliffe.

Ao fotografar à noite, faça-o com um tripé e use a configuração ISO mais baixa para evitar ruídos.

Reduzindo a distorção com lentes longas

Quando você fotografa um edifício de perto, suas linhas podem parecer distorcidas, como se o edifício fosse convexo. Esta distorção em si pode ser efeito interessante, mas, via de regra, tentam reduzi-lo para não distrair.

Ao usar uma lente telefoto e fotografar de longa distância, você descobrirá que as linhas e as paredes parecem razoavelmente retas.

Use uma lente telefoto para suavizar a perspectiva e eliminar distorções. Foto de Álvaro Vega Fuentes.

Você também pode usar uma lente telefoto para criar um ótimo efeito abstrato. Fotografando arquitetura de uma distância muito longa e usando lentes longas comprimento focal, você suavizará a perspectiva para que as linhas do edifício pareçam paralelas, dando à foto uma aparência surreal.

Capture detalhes interessantes

A maioria dos objetos arquitetônicos possui pequenos detalhes que ficam ótimos em fotografias, desde padrões decorativos de janelas até ornamentos e cornijas.

Encontre um detalhe interessante e concentre-se nele. foto Paula Xoxenara.

Fique atento a esses detalhes e preencha a moldura com eles, assim ficará mais intimista, o que transmitirá o caráter da arquitetura.

Não se trata apenas de edifícios

Quando você fotografa arquitetura, é fácil se deixar levar pela ideia de que arquitetura trata apenas de edifícios. Claro, isso não está longe da verdade, mas na realidade, todas as estruturas feitas pelo homem estão sob o mesmo guarda-chuva chamado "Arquitetura" - pontes, torres, moinhos de vento, monumentos e até postes de iluminação. Dê uma olhada mais ampla e talvez você encontre ideias interessantes para fotos que outros perderiam.

Fotografia arquitetônica- um dos gêneros da arte fotográfica, cujo objetivo final é criar uma ideia de estruturas construídas por mãos humanas. Via de regra, a fotografia é documental, pois este tipo de fotografia visa captar elementos verdadeiros e precisos de edifícios, pontes, decoração, etc.

A seguir veremos os principais pontos da criação de fotografia arquitetônica. Não fique chateado se os primeiros resultados não o satisfizerem: paciência, experimentos e experiência irão ajudá-lo a se tornar um profissional em um processo difícil, mas emocionante ao longo do tempo.

Escolhendo um ponto para fotografar objetos arquitetônicos

Na Internet e em livros especializados você pode encontrar muitas lições sobre como fotografar corretamente objetos arquitetônicos. Neste caso, todos os conselhos se resumem a uma coisa: importância vital para criar uma imagem de alta qualidade tem um ponto de disparo. Porque o sucesso de todo o trabalho depende exatamente de qual distância ou altura em relação ao objeto o fotógrafo estará, bem como de que ângulo o mestre olhará para ele.

Ao escolher um ponto de tiro, você deve seguir as seguintes regras:

Experimente todas as opções. Fotografe um edifício de perto e de longe, de diferentes pontos, em vários modos, etc. Concordo que é melhor gastar tempo filmando e selecionando posteriormente boa fotografia entre vários disponíveis, em vez de lamentar as oportunidades perdidas.
Não deixe que sombras ou muita luz estraguem sua foto.
Não tire fotos de tudo. O princípio do herói das piadas populares “o que vejo, eu canto” é inapropriado aqui. Olhe ao redor com atenção, talvez o objeto do enredo ideal esteja atrás de você?
Brinque com o contraste: a justaposição de um monumento arquitetônico com um edifício de alta tecnologia, quando visto do ângulo certo, dá um efeito deslumbrante.
Dê mais espaço aos edifícios antigos.
Aproveite ao máximo as condições meteorológicas (nevoeiro, neve, luz do meio-dia, etc.).
Não se esqueça das molduras naturais: uma “janela” feita de galhos de árvores, vigias, arcos feitos de trepadeiras, etc.
Detalhe objetos industriais e não deixe ruínas sem contexto envolvente.

Atenção! Às vezes, você só consegue tirar uma foto bonita ou única do telhado de uma casa vizinha ou em uma área protegida. Lembre-se da responsabilidade de entrar em propriedade privada e da segurança - peça sempre autorização aos proprietários do imóvel para ir ao posto de tiro e trabalhar com seguro.

Como escolher uma lente para fotografia arquitetônica

Não existe uma lente universal para fotografar edifícios: toda a gama de distâncias focais pode ser usada aqui. Em áreas urbanas com edifícios densos, como regra, a óptica grande angular na faixa de 14 a 50 mm é mais procurada fora da cidade; uma lente telefoto longa pode ser necessária;

Se você tiver que escolher o que comprar primeiro, dê preferência a uma lente grande angular.

Alguns “entalhes” como lembrança para um fotógrafo novato:

Para enquadrar melhor a imagem, use uma lente telefoto.
Para criar o efeito de padrões nos edifícios das megacidades, use lentes zoom com longa distância focal.
Será útil para iniciantes usar ótica com grades exibidas nela - ao fotografar casas, você não deve se esquecer dos pontos-chave da “proporção áurea”.
Para reduzir a distorção, diminua um pouco o zoom.
Para garantir que os edifícios em uma fotografia com um horizonte passando pelo meio do quadro “fiquem” retos, use lentes com uma distância focal de 50 mm ou mais.
Para criar fotos com uma “perspectiva agressiva”, use lentes ultra grande angulares ou lentes com efeitos (como olho de peixe).

Citação: Nota

O que você precisa saber sobre iluminação predial

Em relação à questão fotografia correta de edifícios, não podemos deixar de falar sobre iluminação de objetos. Ao contrário de outros gêneros fotográficos, na fotografia de arquitetura, na maioria dos casos, é impossível definir a luz da maneira que o mestre deseja.

Portanto, você terá que esperar o tempo ou a hora certa do dia, ou criar uma obra-prima aqui e agora, prestando atenção ao fato de que:

A luz lateral brilhante permite focar a atenção no relevo e na textura dos elementos decorativos do objeto. Por isso, em um dia nublado, por exemplo, fica difícil trabalhar com decoração.
A iluminação de baixo contraste desfoca as formas.
A iluminação vinda de todas as direções pode causar conflito de espectros, portanto, você deve ter cuidado ao escolher um ponto de disparo.
Ao fotografar fotografias em preto e branco os profissionais recomendam o uso de filtros. Por exemplo, um filtro azul enfatiza favoravelmente o contraste dos padrões de construção amarelos e brancos.

Fotografia de arquitetura– este é um tema para pelo menos uma série de artigos, ou mesmo um livro completo. Nosso material foi elaborado para incentivá-lo a se aventurar nesse gênero, dando dicas para um início de sucesso.

Concluindo, aqui estão mais alguns “nós de memória” que o ajudarão a tirar fotos de alta qualidade:

Concentre-se apenas no assunto principal da foto. Exclua da moldura tudo o que possa distrair a atenção ao visualizar sua criação e prejudicar o valor artístico da foto. Mas! Para mostrar a escala dos edifícios, você pode incluir objetos acompanhantes no quadro: pessoas, carros, vegetação.
Use reflexos das janelas dos veículos que passam, paredes de vidro de edifícios próximos, etc. em suas composições.
As silhuetas dos edifícios ficam ótimas - ao pôr do sol, ao amanhecer ou quando iluminados pelas luzes noturnas da cidade.
Ao planejar seu trabalho, não se esqueça de verificar a previsão do tempo: será uma pena se o dia for desperdiçado só porque há nuvens ou chove.
Lembre-se de que este gênero de fotografia inclui não apenas a captura de edifícios industriais ou residenciais - sua coleção de obras-primas também deve ter lugar para pontes, ruas estreitas, escadas e outros objetos criados com materiais de construção.
Em alguns casos, seria mais apropriado fotografar objetos extensos ou conjuntos arquitetônicos em partes, para posteriormente “costurar” vários quadros em um.
Ao fotografar edifícios, é aconselhável utilizar um tripé com peso e não se esquecer do temporizador de atraso do obturador - isso evitará movimentos da câmera.
Para reduzir o ruído e aumentar a profundidade de campo, seria correto definir o valor ISO mínimo e manter a abertura no máximo em f14.
Na luta contra a distorção de perspectiva, fotografar no centro do objeto ajuda um ponto de disparo alto e uma câmera “plana”.

Esperamos que nosso artigo tenha ajudado você na questão da fotografia arquitetônica, sucesso em sua empreitada!

Existe uma crença comum de que fotografar arquitetura é um gênero de fotografia bastante simples. À primeira vista é assim - não há nada mais fácil do que fotografar um objeto estacionário (uma casa, um templo, um conjunto arquitetônico, isso pode ser feito simplesmente no modo automático); Porém, fotografar uma estrutura arquitetônica Lindo, muitas vezes você precisa forçar muito o cérebro. Além disso, não se trata de configurações da câmera, mas da escolha do ponto de disparo, bem como do próprio equipamento...

Quando um fotógrafo amador escolhe uma câmera ou lente para fotografar arquitetura e faz essa pergunta em fóruns da Internet, por algum motivo, os “gurus da fotografia” recomendam o uso de óptica ultra grande angular para fotografar arquitetura. Este é o principal problema - uma boa lente grande angular é bastante cara (pelo menos uma com foco automático), mas a imagem que ela produz nem sempre atende aos requisitos do fotógrafo (ou cliente).

Perspectiva

O efeito da perspectiva linear, que na maioria das vezes não nos incomoda quando fotografamos a natureza, quando fotografamos arquitectura tem um impacto enorme no resultado final. Ao escolher um ponto de disparo, muitas vezes é dada preferência àquele que é mais conveniente para o fotógrafo (não há necessidade de caminhar ou subir em qualquer lugar) e ao mesmo tempo todo o edifício cabe no quadro (uma lente grande angular ajuda). Infelizmente, esses pontos de disparo raramente são ideais e o resultado não parece tão bom - os edifícios parecem inclinados nas fotografias.

Deixe-me dar alguns exemplos:

Naturalmente, para uma fotografia amadora de “turismo” isto é aceitável (é melhor que nada), mas se o seu objectivo é “a grande liga”, precisa de se livrar do hábito de fotografar arquitectura desta forma.

Paredes caindo - quem é o culpado?

Freqüentemente, o motivo do aparecimento de “paredes caindo” é injustamente atribuído às lentes, dizendo “ela puxa os cantos”. Na verdade, a lente quase sempre não tem nada a ver com isso; Você já percebeu como às vezes as pessoas tiram fotos da paisagem urbana?

Foto da Internet

Esses fotógrafos operam de acordo com as seguintes regras:

Tire fotos de onde você está. Se o edifício cabe na estrutura, por que mudar alguma coisa?
Se mesmo no “zoom mínimo” o prédio não couber na moldura, você precisa sentar (ou deitar), o que quiser - só não recue.

Depois disso, o botão do obturador é pressionado e você tira outra foto com paredes cheias de lixo! Engraçado? E muitos fazem exatamente isso!

Em relação ao segundo ponto – fotografar de um ponto baixo realmente ajuda a “enfiar” mais no quadro – graças ao efeito de perspectiva parte do topoÉ ligeiramente achatado vertical e horizontalmente, mas por isso a fachada do edifício retangular parece um trapézio.

Distorção

Mesmo em grande angular, todas as lentes de zoom, sem exceção, apresentam um fenômeno como distorção. Em russo, é uma distorção que faz com que a imagem não pareça plana, mas ligeiramente convexa ou côncava. Isso faz com que as linhas retas nas bordas do quadro pareçam curvas.

A distorção é perceptível ao fotografar arquitetura e interiores

Para reduzir a distorção, na maioria das vezes basta estender ligeiramente o zoom ao fotografar.

Na verdade, a distorção não é tão ruim - pode ser facilmente corrigida durante o processamento. Por exemplo, o programa Adobe Photoshop O Lightroom “sabe” como a maioria das lentes distorce as imagens. Basta marcar a caixa apropriada e a distorção será removida (). Certamente existe uma oportunidade semelhante em outros programas de processamento de fotos mais ou menos sérios.

E se você atirar à distância?

Agora vejamos mais algumas fotografias de objetos arquitetônicos:

Você notou que os edifícios neles são nivelados? Essas fotografias têm várias características comuns:

Todos eles foram filmados com distância focal de pelo menos 50 mm. Para ser mais preciso, a primeira foto foi tirada com distância focal de 100 mm, a segunda e a terceira - com 50 mm (full frame).
Em todas as fotografias, o horizonte passa pelo meio do quadro.

Conclusão - se você não quiser que paredes caiam em sua foto, afaste-se e fotografe com uma distância focal maior. Coloque o horizonte mais próximo do meio do quadro. Direi desde já que encontrar tal ponto de filmagem pode ser muito difícil - esta é a principal dificuldade de fotografar arquitetura.

"Perspectiva Agressiva"

Por outro lado, há situações em que o enfatizado perspectiva "agressiva" faz parte do design artístico.

Esta foto foi tirada com uma lente olho de peixe Zenithar de 16 mm, que arredonda visivelmente as bordas da imagem. Pode-se ver que a parede do Kremlin de Nizhny Novgorod se encaixa perfeitamente na composição, mas a fotografia é percebida de maneira muito incomum.

Esta foto foi tirada usando outra lente ultra grande angular - Samyang 14mm. Ao contrário do Zenitar-16, não completa nada, mas ainda dá uma imagem bem diferente daquela que estamos habituados a ver com os nossos próprios olhos.

Em outras palavras, ao usar óptica ultra grande angular, a perspectiva deve ser tratada como sal e pimenta: muito pouco é ruim, muito é ainda pior. Fotos que usam inadequadamente uma perspectiva “agressiva” em vez de interessante podem ser desanimadoras.

O princípio é simples - Quanto mais a lente for inclinada para cima ou para baixo, mais forte será a distorção da perspectiva..

Por falar nisso...

Existe uma maneira de corrigir a perspectiva programaticamente usando Adobe Photoshop ou Lightroom. Embora não seja uma panacéia para todos os males, um pequeno bloqueio nas paredes pode ser corrigido com sua ajuda. No entanto, se você exagerar, é fácil distorcer a forma dos objetos.

Faça do edifício parte da composição da paisagem

Isso quase sempre beneficia a fotografia - a paisagem parece mais interessante do que apenas uma fotografia à queima-roupa de um edifício. Algumas estruturas arquitetônicas parecem muito mais interessantes como parte de todo o conjunto do que sozinhas. A escala de objetos grandes é transmitida muito melhor se houver alguns objetos “para comparação” - pessoas, árvores, outros edifícios.

Certamente há um belo parque ao redor do edifício notável, talvez o edifício esteja lindamente refletido na água. Procure ângulos interessantes! Procure não levar “lixo fotográfico” para dentro da moldura – postes, fios, outdoors. Claro que uma parte significativa do sucesso aqui depende de quais objetos cercam os prédios, mas é para isso que você é fotógrafo, para perceber detalhes e ângulos pelos quais todo mundo passa e não presta atenção.

Escolha o horário ideal para filmar

Se não estamos falando de filmar durante uma viagem turística, quase sempre você tem a oportunidade de visitar várias vezes o mesmo atrativo - em épocas diferentes do ano, em climas diferentes, em tempo diferente dias. Deixe-me dar um pequeno exemplo:

Edifícios cujo design é dominado por cores claras (por exemplo, Palácio de inverno), geralmente ficam bem de dia e de noite. No entanto, os edifícios feitos de pedra escura parecem mais interessantes à noite (Catedral de Kazan).

Por falar nisso...

Um grande problema ao fotografar à noite é muitas vezes definir o equilíbrio de branco - as luzes da rua, como regra, emitem uma luz amarela muito quente e todos os objetos iluminados ficam amarelos. Definir manualmente o equilíbrio de branco nem sempre ajuda, pois muitas câmeras não possuem uma predefinição que possa compensar esse amarelo profundo.

A maneira mais fácil de sair dessa situação difícil é fotografar em RAW e corrigir o equilíbrio de branco no editor. Ao fotografar, você pode definir com segurança a configuração WB para “Auto” - mesmo que dê errado, você ainda pode consertar sem dor mais tarde.

Vlast, juntamente com Archcode Almaty, continua uma série de palestras educacionais sobre arquitetura. O famoso fotógrafo de arquitetura Yuri Palmin visitou Almaty. A pedido do arquicódigo Almaty e Vlasti, ele se reuniu com fotógrafos e assinantes do nosso site e ministrou um curso conciso sobre fotografia arquitetônica.

Gravação em vídeo da palestra:

Transcrição completa palestras:

Estou feliz por estar aqui na sua cidade e por trabalhar num grande projecto dedicado à arquitectura de Almaty e, especificamente, ao período do modernismo soviético do pós-guerra.

Sou Yuri Palmin, fotógrafo de arquitetura, faço isso há quase 30 anos. É hora de mudar de alguma forma minha ocupação, já tenho feito isso demais. Em princípio, esta é a única coisa que sei fazer e por isso falarei com vocês sobre isso. Eu realmente espero que nosso encontro de hoje possa beneficiar a todos nós. Estou pensando em organizar esta noite assim: farei uma introdução, que tentarei ser o mais breve possível. Por favor, me perdoe se demorar mais. Na verdade, este é um curso de fotografia de arquitetura espremido, que dou apenas três aulas, e também levo crédito por isso. Claro que hoje não vou torturá-los nem com um nem com outro, tentarei fazer esta introdução o mais curta possível, porque acredito que esta história - a história da história, é extremamente importante para a compreensão geral do que eu fazer e o que, acredito, pode ser feito por uma pessoa que hoje fotografa arquitetura conscientemente. O facto é que a fotografia de arquitectura, tal como a arquitectura, atravessa agora momentos difíceis. E fotografia em geral.

Yuri Palmin - fotógrafo de arquitetura, professor do programa “Fotografia”. curso básico" em inglês Escola Superior projeto. Colabora com publicações populares e profissionais como AD Magazine, Vogue, World Architecture, RIBA Journal, Icon Magazine, Domus, Abitare, Speech, EXIT, Mark Magazine, Project Russia

Vivemos numa época repleta de imagens. Imagens chovem sobre nós de todos os lugares, nos afogamos nelas, às vezes desejamos que houvesse um pouco menos delas. Se antes existiam pessoas especiais - fotógrafos, que entregavam informações visuais ao consumidor dessa informação, agora não existe essa divisão, fotógrafos são todos. E não creio que depois de algum tempo seja possível falar de fotógrafos profissionais e não profissionais a situação vai mudar; Mas podemos falar de pessoas que estão engajadas na obtenção e entrega dessas informações visuais de forma consciente, como profissionais. Talvez devessem ser chamados de não fotógrafos. Aqui está uma breve introdução sobre como a história da fotografia está ligada à história da arquitetura e como surgiu a profissão em geral. Depois vou mostrar alguns dos meus projetos. As minhas fotografias não serão incluídas na primeira parte; não entraram para a história da fotografia arquitetónica.

A fotografia arquitetônica começa ao mesmo tempo que começa a fotografia. Ou melhor, quando a fotografia deixa de ser um truque de feira, um milagre, e se torna uma atividade humana bastante comum. Isso acontece em meados do século XIX.

Arquitetura é um assunto muito saboroso para a fotografia, especialmente para as primeiras fotografias. Está claro o porquê. Em primeiro lugar, porque a arquitetura não se move e podemos fotografar com velocidades de obturação longas, não precisamos segurar uma pessoa em um torno especial, como ao tirar retratos, para que ela não se mova durante uma velocidade de obturação de quatro minutos. Em segundo lugar, e muito importante, a arquitetura é um valor indubitável. Ou seja, ao fotografar um monumento arquitetônico, transmitimos informações visuais sobre um objeto obviamente valioso, isso é muito importante. Além disso, ao mesmo tempo, mudanças também começam a ocorrer na profissão de arquiteto devido ao fato da engenharia estar penetrando na arquitetura, elas estão começando a se conectar. Sabemos que meados do século XIX é a era da arquitetura tecnicamente nova, e é também a era do início do urbanismo consciente, que, claro, está associado principalmente às mudanças que o prefeito de Paris, Barão Haussmann, vem fabricando em Paris desde o início dos anos 40 do século XIX e além. E então foi fundada em Paris a Sociedade Geográfica de Paris, esta é a primeira equipe de fotógrafos de arquitetura que trabalha sob a liderança de Edouard Baldus - na verdade, o fundador da profissão. Essas pessoas trabalham em nome das autoridades municipais, documentam a cidade, que vive as mudanças mais graves que já aconteceram na cidade nos últimos anos. pouco tempo em geral na história do planejamento urbano. Estas não são mudanças graduais, nem naturais, mas mudanças, pode-se dizer, forçadas. Portanto, em primeiro lugar, a cidade precisa ser cadastrada. Em segundo lugar, é necessário compilar uma lista dos objetos da cidade que constituem o seu valor absoluto.

Olhando para essas fotos, vemos que foi resolvido lista específica instruções para fotografar arquitetura. Primeiramente, a arquitetura deve ser removida – se possível, as fachadas devem ser removidas pela frente. A luz solar deve incidir sobre as fachadas de forma a realçar ao máximo as texturas e detalhes arquitetônicos das fachadas, ou seja, via de regra, é a luz que incide em um ângulo de aproximadamente 45 graus, e todos geométricos distorções - esta é a coisa mais importante na fotografia arquitetônica, sempre a sua história. Esse é um detalhe técnico tão pequeno que diz muito sobre a nossa profissão. Como você pode ver, nestas fotos todas as paralelas verticais são paralelas.

Normalmente, quando andamos com um celular ou uma câmera com lente grande angular, quando olhamos para cima, você sabe que os paralelos verticais desabam, e já estamos acostumados com isso de fato. Além disso, ao inclinar a câmera, obtemos uma imagem que não corresponde à forma como vemos. Já quando olhamos a arquitetura com os olhos, ou melhor, não só com os olhos, mas também com o cérebro, ajustamos constantemente a perspectiva vertical com base nos dados que recebemos do nosso aparelho vestibular. Sabemos o quanto inclinamos a cabeça e sabemos o quanto precisamos corrigir essa distorção. Essa correção na fotografia técnica é feita de forma muito simples. Uma câmera de meados do século XIX possui lentes e placas de filme independentes, então podemos movimentar a lente paralelamente ao filme, como se baixasse o horizonte e mantivesse o paralelismo com a vertical. Isso é o que as lentes de deslocamento fazem agora. Naquela época, todas as lentes eram deslocadas. E esta também é uma das instruções: esta máxima frontalidade e luz, enfatizando ao máximo os detalhes.

O mais interessante é que ao mesmo tempo, o mesmo Eduard Baldus desenvolvia uma técnica que hoje é utilizada no processo digital simplesmente em todos os lugares. Isso é colagem. É impossível fotografar tal interior com as lentes da época, pois não eram suficientemente largas. Portanto, a fotografia é tirada em fragmentos. Aí esses fragmentos - negativos são recortados, colados, tudo isso é natural, feito à mão, tudo isso é feito em placas de vidro e a partir deles é impressa uma imagem composta.

Esta técnica digital foi inventada então, em meados do século XIX.

Salto imediatamente para os descendentes de Baldus e dos fotógrafos franceses - Marcus Brunetti, este fotógrafo alemão que é famoso por tirar 42 fotografias em 9 anos e todo o seu produto de nove anos de criatividade extremamente intensa são 42 fotografias das fachadas da Europa. Estas são as fotografias.

Vemos que são de alguma forma semelhantes ao que os franceses tiraram, mas se olharmos mais de perto, veremos que na verdade é impossível tirar tal fotografia. Porque os ângulos a partir dos quais detalhes específicos das fachadas são visíveis são, na verdade, tirados de pontos diferentes. Nosso olho quer ver assim. Na verdade, olhando para essa fachada, nós, nosso cérebro, vemos algo assim, mas nunca conseguiremos fotografar assim. Apenas recorrendo a uma técnica muito complexa que Marcus Brunetti utiliza, nomeadamente esta fachada, esta fotografia, é composta por cerca de mil e quinhentas peças, tiradas com lente muito longa de diferentes pontos da cidade e depois corrigidas e coladas. Isso foi aproximadamente o que Baldus fez, só que muitas vezes mais complicado.

Tirar cada foto pode levar vários anos, porque sabemos que chegamos a Paris, e lá na Catedral de Notre Dame uma torre será definitivamente restaurada, o mesmo acontece com a Catedral de Colônia. Assim, Brunetti volta ao mesmo lugar naturalmente, tem tudo anotado; Ele volta, faz os takes apropriados e depois costura o fruto de tantos anos de trabalho em fotos como essa. O que também é notável aqui é que tal fachada nem sequer foi vista pelos arquitectos dos edifícios, porque, via de regra, a criação da fachada de uma catedral gótica ou renascentista demorava várias gerações. O arquiteto conseguia desenhá-lo, mas não conseguia vê-lo, pois já estava morrendo quando metade da obra estava concluída. Outros dos discípulos incondicionais desta escola técnica de fotografia de arquitectura são os meus respeitados artistas favoritos, ambos infelizmente já falecidos, Brand e Hila Becher, os fundadores da escola de fotografia de Düsseldorf.

Tudo isso foi filmado em tempo nublado. Em um clima, com uma lente, eles são famosos por uma série de objetos que realmente entraram no tesouro da arte moderna. Ou seja, transferiram a mesma fotografia técnica para a arte moderna e fundaram a escola de fotografia artística em Düsseldorf. Entre seus alunos estão os famosos Thomas Struth, Thomas Ruf, Andreas Gursky, autor da fotografia mais cara do mundo, “Reno II” por US$ 4,5 milhões, cujo preço na verdade faz parte da obra, mas isso é mais complicado, isso faz parte de uma palestra separada.

Esses fotógrafos também usaram esses conjuntos de instruções para criar séries e abordaram o processo de filmagem tecnicamente, por exemplo, esta é a famosa série Struth - “Streets”, eles fotografaram ruas desertas após o amanhecer em pontos diferentes globo. E todas as ruas dele são assim, estão desertas, não têm escala, o que é muito importante. E não há pessoa neles, e falarei um pouco mais tarde sobre a presença de uma pessoa na fotografia de arquitetura. Esta é uma das fotografias arquitetônicas mais radicais que existem no mundo. Esta é uma fotografia do armazém da fábrica de confeitaria Ricola na Suíça.

Herzog et de Meuron é um dos escritórios de arquitetura mais famosos. Você provavelmente viu um de seus projetos mais recentes - Elbphilharmonie em Hamburgo. Esta é uma das maiores e mais caras obras de arquitetura dos últimos tempos.

A segunda figura oposta a Baldus, que, como vemos, fundou muitas coisas, é Eugene Atget - uma figura extremamente importante na história da arte e da cultura em geral.

Ele também é parisiense, trabalhou apenas em Paris, fotografou apenas Paris, é um daqueles que Baudelaire chamou de flâneurs no final do século XIX. É claro que o conceito de “flaneur” mais tarde, através de Walter Benjamin e mais tarde, através dos Situacionistas dos anos 60, tornou-se um dos conceitos fundamentais da nova cultura urbana de esquerda. Um flâneur é um homem que pode se perder em sua própria cidade. Um flâneur é uma pessoa que anda pela cidade sem saber onde, e que não está interessado no objetivo, mas está interessado no próprio movimento. O flâneur é como uma flecha, um aparelho de medição que mede a cidade consigo mesma, com seus nervos sutis, com seus sentimentos sutis.

As reformas de Haussmann levaram à formação do Parisiense Sociedade Geográfica, Eugene Atget mora em Paris e odeia Haussmann, ele simplesmente não consegue tolerar... Para ele, essas reformas urbanas estão cortando a estrutura da cidade, que ele sente sutilmente e à qual trata de forma muito pessoal e íntima.

Walter Benjamin diz que as fotografias de Atget são fotografias de uma cena de crime, onde às vezes você vê pessoas aparecendo. Mas essas pessoas não são uma escala, nem personagens vivos, mas uma parte orgânica da própria ligação da cidade com a qual Atget está ligado pelos seus nervos. Infelizmente, segundo informações já verificadas, Atget não se deslocava pela cidade como as agulhas de um medidor, mas desenhava a cidade em praças e planejava seus passeios. E, infelizmente, é preciso admitir, a história da arte retirou dele esse talento romântico. Então nos movemos cronologicamente.

Os seguidores de Atget são fotógrafos românticos, fotógrafos para quem uma obra de arquitetura não é um objeto que precisa ser registrado, mas uma parte de algum tipo de seu mundo interior, que eles registram fotografando o mundo exterior. Então começa o século XX. Eventos interessantes começam a ocorrer, em parte relacionados com mudanças técnicas que ocorrem na própria fotografia. A fotografia está se tornando completamente produzida em massa. Você não precisa de nenhuma habilidade ou habilidade especial para produzir impressões de alta qualidade.

Albert Renger-Patch é um dos líderes e fundadores do movimento Nova Substância na Alemanha na década de 20. E a sua principal contribuição para a fotografia de arquitectura é que é Renger-Patch quem introduz o quotidiano na vida quotidiana e no discurso da fotografia de arquitectura. Ou seja, ele fotografa tanto monumentos arquitetônicos quanto vistas de cidades como monumentos.

Neste caso, este aterro parece ter sido fotografado com a luz correcta, foi certamente fotografado obedecendo a todos os cânones da fotografia arquitectónica, mas não podemos dizer o que aqui foi fotografado: a torre sineira, ou as fachadas das casas, ou as cercas que estão em primeiro plano, porque tudo está aqui. É como ambiente urbano, que não está dividido em objetos separados para ele.

Ele vai ainda mais longe e começa a fotografar objetos industriais, mostrando a beleza dos objetos industriais, que para ele equivale à beleza dos monumentos arquitetônicos. Para ele, por exemplo, os arcos góticos são tão significativos quanto, por exemplo, as fotografias da natureza.

No final da década de 20 publicou um livro que queria chamar simplesmente de “Coisas”, mas por insistência da editora o título foi alterado para “O Mundo é Belo” e o sentido do livro, do projeto, foi que todas as coisas vistas pela câmera são muito importantes - elas ficam lindas. Aqui está a coisa. Quando olhamos para o mundo, em geral, quando olhamos para algo, pensamos no que vemos, passamos constantemente esta informação visual através de um grande número de filtros. Já dissemos que corrigimos, por exemplo, a convergência de paralelas verticais de forma absolutamente inconsciente. Mas, além desses filtros fisiológicos simples, também temos filtros culturais - cada um tem os seus. Sabemos que, por exemplo, um edifício de cinco andares dos anos 60 é um objecto menos valioso do que uma catedral gótica, para não falar de um edifício de nove andares dos anos 70. O que nos dizem as pessoas que tiraram uma câmera na década de 20 na Alemanha? Dizem que a tecnologia fotográfica não possui tais filtros. Sim, ela não tem alma, mas ao mesmo tempo está privada dessa comparação constante com os padrões e critérios que a cultura nos trouxe. E esta maravilhosa propriedade da tecnologia abre o mundo para nós de uma nova maneira. Isto é, olhar o mundo com mais honestidade do que vemos com os olhos e o cérebro.

E, claro, temos a Bauhaus ( instituição educacional- Aproximadamente. V) e uma das figuras-chave nova foto Nas décadas de 20 e 30, Laszlo Moholy-Nagy, que foi um dos fundadores da Bauhaus, ocupou ali cargos muito importantes, sendo também um teórico da fotografia da nova visualidade. O que está acontecendo aqui? Um ângulo aparece na fotografia, a câmera começa a inclinar-se para cima e para baixo, começa a apertar os olhos, a criar uma inclinação, simplesmente a girar em torno de seu eixo de tal forma que nossas verticais se tornem diagonais.

Ela começa a fazer coisas que o fotógrafo simplesmente não podia pagar antes ou que foram um erro. A câmera saiu do tripé e tirou essa foto. Por que isso foi possível? Na verdade, existem várias explicações aqui. A primeira explicação: a nova materialidade revelou esta novíssima sinceridade da técnica fotográfica.

E em segundo lugar: surgiram câmeras que funcionavam com filmes estreitos. E de fato aconteceu uma revolução que considero mais séria na tecnologia fotográfica do que o aparecimento dos números. Porque a pessoa começou a entender que cada quadro não é uma chapa fotográfica, que precisa ser revelada separadamente, comprada lá, carregada, carregava consigo um número limitado dessas mesmas folhas, porque é o peso, apareceu um vídeo em que 36 quadros, em princípio você pode filmar. Existem 10 desses vídeos. Preencha-se com uma caixa e fotografe para seu próprio prazer e experimente. E com isso o tripé caiu. A queda do tripé é como a queda do rabo de um macaco e levou a enormes mudanças na estética fotográfica. Estes são, por exemplo, ângulos descendentes radicais. Você não pode simplesmente colocar um tripé com uma câmera grande. Curiosamente, o amor pelos ângulos e a mania por esta nova estética começaram subitamente a dar lugar a regras novas e muito mais rigorosas que estão a surgir na fotografia de arquitectura. Agora estou pulando uma etapa inteira e passando para o homem que moldou a fotografia arquitetônica moderna na segunda metade do século XX. Este é Lucien Hervé.

Este é o fotógrafo pessoal de Le Corbusier. Sabe-se que Le Corbusier é o único arquiteto que nunca tirou fotografias. Na verdade isso não é verdade. Um livro de fotografias de Le Corbusier foi publicado. Le Corbusier fotografou de 1907 a 1915, e fotografou tudo, depois disso escreveu que eu era um daqueles idiotas que comprou uma câmera Kodak barata e gastou muito dinheiro em filme, e apenas 5 anos depois percebi que a fotografia - um infrutífero ocupação e completamente desnecessária para um arquiteto, então joguei fora essa câmera e peguei um lápis. Mas de alguma forma Le Corbusier ainda precisava de corrigir a sua arquitectura, e foi aqui que este conjunto foi desenvolvido. As melhores fotografias de Le Corbusier foram tiradas por Lucien Hervé. O que há de bom nessas fotos? Olha, a arquitetura deixa de ser um monumento, deixa de ser um objeto que tem topo/fundo, direita/esquerda, que precisa ser enquadrado e completamente colocado na moldura.

O valor do fragmento neste caso não é o mesmo valor que um capitel ou qualquer outro detalhe arquitetônico tem sobre fotografia antiga quando os fragmentos foram filmados. A arquitetura aqui se torna uma espécie de objeto que pode ser explorado, assim como o mundo pode ser explorado com uma câmera. Deixa de ser um objeto discreto integral, e aqui Le Corbusier e Herve se entendem muito bem, e aqui é necessário dar uma palestra separada por muitas horas, porque este é um tema muito interessante. Hoje em dia eles escrevem dissertações sobre isso. O importante é que é na fotografia de Lucien Hervé que finalmente aparece algo que os fotógrafos de arquitetura usam agora o tempo todo - os fotógrafos começam a usar luz radicalmente oblíqua.

Veja, aqui está uma superfície de concreto sob um casaco de pele, você pode se cortar nela. Isso se deve ao fato de ser inclinado há luz chegando. Vemos diferentes texturas de concreto e aqui essas texturas constituem o tema principal da fotografia. Essa tactilidade que aparece na fotografia, não existia antes, porque antes da fotografia ser uma imagem assim, aqui está uma casa em algum lugar, em algum outro continente, então nós fotografamos, levamos da América para a Europa, mostramos aqui e nós parece que temos uma casa, mas olhamos para ela. Temos isso em algum lugar no futuro. Outra regra de Baldus era fotografar com a lente mais longa possível, o mais longe possível. Ou seja, fazer a apresentação mais impessoal de uma obra de arquitetura. Quanto mais longa a lente, mais próxima a imagem está da axonometria. Não pode haver imagem axonométrica na fotografia, porque sempre teremos distorções de perspectiva. Mas a axonometria é uma visão de Deus, é o olhar de um observador completamente desapegado. E aqui a arquitectura começa a apresentar-nos como algo absolutamente táctil e tangível. E este é o grande mérito de Lucien Herve. Começa então a era da fotografia arquitetônica comercial, que na América está associada principalmente aos nomes de Erza Stoller e Julias Shulman.

Aqui está o Museu Guggenheim, todas essas fotografias icônicas de edifícios icônicos. Observe que o carro está em primeiro plano por um motivo. Não está apenas estacionado aqui e não pode ser removido, pois muitas vezes essas situações me assombram aqui, está colocado aqui especificamente porque esta superfície branca combina com as formas e curvas do Guggenheim.

E Julias Shulman, que se torna uma grande cantora do modernismo americano do pós-guerra. Porque há mudanças políticas, sociais, económicas na sociedade, que alteram os preços da habitação e dos terrenos, as pessoas vêm da guerra, a situação demográfica aí muda. Em suma, toda esta questão do lar americano está a mudar. E esse modernismo europeu deliberadamente simples e minimalista, que anteriormente foi rejeitado pela sociedade americana, está a penetrar na América.

Mas aqui a fotografia é necessária para transmitir esse novo estilo de vida e, em geral, até mesmo divulgá-lo de alguma forma para as pessoas. Talvez esta seja a fotografia arquitetônica mais famosa, esta é uma casa exemplar, construída especialmente para filmagem, na verdade acima da Mulholland Drive.

Esta foto Shulman é muito por muito tempo encenado com um assistente, ele acomodou as meninas. A questão aqui é que para uma pessoa familiarizada com a cultura da casa da família americana, essa história é completamente fora do padrão: as meninas ficam penduradas acima da cidade, à noite, em uma espécie de cubo de vidro. Vemos que esta situação antinatural é na verdade muito bonita. A cidade está separada, a casa está separada. A iluminação não é ideal para os padrões atuais, mas... Julius Shulman é o único fotógrafo de arquitetura sobre quem foi feito um documentário completo chamado Visual Acoustics, com narração de Dustin Hoffman.

Isto é muito foto engraçada Shulman, em que você pode ver o quanto isso é um personagem publicitário, como vemos agora como esse quadro foi feito e encenado, principalmente quando é colorido. É isso, vamos ao nosso tempo. Talvez uma das fotógrafas clássicas mais sérias que existe atualmente, vive e trabalha ativamente seja Ellen Binet.

Estou feliz em conhecê-la, para mim ela é simplesmente um clássico vivo, uma pessoa que me influenciou muito, mas, infelizmente, agora Ellen é tomada por sentimentos, sensações e visões gerais pessimistas muito fortes sobre o que está acontecendo agora com a fotografia de arquitetura.

Hélène Binet é amiga íntima dos arquitetos com quem trabalhou, isso é muito importante. Ela era uma amiga muito próxima de Zaha Hadid e é por isso que acho que as fotografias de Hélène Binet do trabalho de Zaha Hadid são muito melhores do que a arquitetura de Zaha. Ela era e é muito amiga do Peter Zumthor, acho que não tem... tem paridade aqui, vamos dizer assim.

Esta é a fotografia tirada por todos que se encontram na pequena capela do Irmão Claus do arquiteto Peter Zumthor, perto de Colônia. Não vai lá transporte público. Este é um lugar tão especial onde você tem que caminhar 6 quilômetros da estação ferroviária mais próxima, isso é muito importante, faz parte de uma experiência arquitetônica. E esta é a fotografia que todos que vão lá tiram. Cada pessoa levanta a câmera e filma essa queda – a janela. Esta capela está desenhada da seguinte forma: Zumthor fez cofragens com madeira morta encontrada pelos seus alunos na floresta circundante, tal cabana foi construída, depois foi usada como cofragem para betão, após o que os troncos foram incendiados e a um certo momento, quando o concreto estava se aproximando, e as cinzas se misturaram com o concreto endurecido e formaram uma textura única e absolutamente incrível da decoração interior. Depois disso também foram inseridas gotas de vidro, que são como orvalho sobre as cinzas. Isso é uma coisa incrivelmente sutil. Todo mundo tira uma foto assim, essa foto pode aparecer na tela, você pode assistir na internet, mas não vai ver. É notável porque foi filmado em grande formato e só aparece impresso. Agora trabalho principalmente com digital e entendo perfeitamente o que estou perdendo por não trabalhar com filme. Aqui, Hélène Binet é uma das últimas verdadeiras fotógrafas de arquitetura clássica; ela nem sequer tem uma câmera no telefone. É muito importante para ela que não possua dispositivo digital para registrar informações.

Essa fotografia é do Museu de Colombo, do Museu do Arcebispado de Colônia, também do arquiteto Peter Zumthor, e essa é uma foto que você nunca verá com os olhos, porque isso é um reflexo, são brilhos no teto, um cabelo assim textura, brilho do sol refletido em uma poça, que fica na rua, atrás dessa parede perfurada. Você nunca verá essa foto, porque é o resultado de uma longa exposição, novamente filmada em filme. Esta é uma das fotografias icônicas de Zumthor, uma de suas favoritas.

Chega então uma era de estreita ligação entre a arte contemporânea e a fotografia de arquitetura. Hiroshi Sugimoto, o famoso artista e fotógrafo japonês, fotografa obras de arquitetura moderna com nitidez muito baixa. Assim, ele parece imitar esse estado de atenção relaxada. Estado na borda do campo de visão, como visão lateral sobre arquitetura importante. Por um lado, isto é importante, mas por outro lado, não é duro.

Essa nitidez, infelizmente, só acontece em filmes de grande formato, e você também precisa assisti-lo não em uma telinha, mas em um livro ou, melhor ainda, em uma exposição. E, claro, a figura comercial mais importante da nossa profissão atualmente é Ivan Baan.

Este é um fotógrafo de arquitetura holandês que vendeu recentemente seu último apartamento e vive apenas em aviões e hotéis e viaja por todo o mundo e fotografa tudo que aparece estrelado e caro. Eu digo que é como se ele estivesse batizando. Até batizar o prédio, parecia que ele não existia. Mas chegou Baan, que voa pelo mundo como um anjo, e o prédio começou a existir. Esta é uma figura muito importante.

Esta é a sua fotografia de Nova Iorque após o furacão Sandy em novembro de 2012, quando metade da cidade ficou sem energia. Baan pensou primeiro em pegar um carro, mas hoje em dia era impossível alugar um carro em Nova York; era mais fácil alugar um helicóptero, mais barato do que alugar um carro. Só me lembro porque naquela época eu estava deitado no Brooklyn com uma dor de cabeça terrível, e naquela época um fotógrafo de verdade estava voando de helicóptero e fotografando arquitetura. Ele então realizou um leilão e vendeu, eu acho, 20 cópias por muito dinheiro, que foi para o fundo de ajuda de Sandy. Ivan Baan é um personagem interessante.

Porque na verdade eu já disse que se tornou comum filmar arquitetura nos anos 80-90 sem gente nenhuma. Isso é deserto, seco, como uma coisa em si, lindo, com uma espécie de beleza interior, uma arquitetura que não tem escala, que você não consegue entender o que realmente é - uma joia ou uma escultura. Este quadro tomou conta de toda a imprensa arquitetônica na década de 80 e dominou-a até meados dos anos 2000. E, de fato, Ivan Baan foi uma daquelas pessoas que, tirando todas essas fotos maravilhosas e sem vida - ele sabe fazer muito bem, muito recentemente, em meados dos anos 2000, criou uma verdadeira revolução. Comecei não apenas a fotografar pessoas na arquitetura, mas comecei a forçar as pessoas a entrar na arquitetura.

Como me disseram, quando Ivan Baan vem à Herzog & de Meuron para fotografar nova arquitetura, todos os jovens arquitetos são reunidos, têm que trazer ternos, vários turnos, ele tem um assistente de gente que confere as roupas, faz o casting , e então esses jovens arquitetos retratam tudo, desde funcionários de escritório até transeuntes no set de Baan.

Sim, é assim que Ivan Baan fotografa sem gente, Fondation Louis Vuitton, esta é uma fotografia arquitetônica clássica que não precisa de legenda. Basicamente, todo mundo atira da mesma maneira agora. Você sabe que existe um site chamado archdaily.com, o principal meio de comunicação de arquitetura, e raramente vê lá uma personalidade interessante na fotografia de arquitetura. Basicamente, toda a arquitetura ali também é filmada de acordo com os cânones.

Mas este é um projeto em Caracas. O que é isso?

Resumindo: trata-se de um gigantesco edifício de escritórios com cerca de 40 andares que estava inacabado. Começaram a construí-lo durante o boom da economia venezuelana, que foi no final dos anos 90, depois foi abandonado, e então começou uma terrível crise econômica na Venezuela e o prédio foi assumido por moradores de rua. E esta é uma ocupação gigantesca, que gradualmente formou sua própria economia, sua própria sociologia. Por exemplo, eles de alguma forma transmitiam eletricidade dos fósforos de iluminação vizinhos, mas não tinham elevador, mas tinham uma rampa que subia até o 22º andar e havia elevadores de táxi internos especiais que transportavam pessoas. Baan estudou de cima a baixo, incluindo algumas curiosidades, por exemplo, a avó que foi elevada ao 34º andar. Ela está paralisada e todos sabem que a vovó nunca descerá do 34º andar, que viverá e morrerá ali. Eles têm suas próprias lojas e cafés lá. Aí Ivan Baan filma essa série em 2012, recebe seu Leão de Ouro, ele e o grupo... Esta é uma arquitetura tão teórica grupo de pesquisa, bem, em geral, perto do Arcocódigo de Almaty, trabalhando em todo o mundo, eles recebem seu Leão de Ouro, isso se torna de conhecimento público, após o que em 2014 este edifício se torna mundialmente famoso, porque Brody da série de TV “Homeland” está se escondendo lá. Ele chega lá, ao que parece, na terceira temporada, o mundo inteiro fica sabendo do prédio, depois disso a corrupta polícia venezuelana descobre, depois do qual ocorre um terrível expurgo com o uso do exército e todos são expulsos de lá. E é isso, agora esse esqueleto está sozinho, atrás do arame farpado, e ninguém mora lá e não há vida lá. Esta é uma história estranha, aliás, o catalisador de toda esta história foi a fotografia arquitetónica.

Chego ao ponto de que agora, neste momento, a fotografia arquitetónica se encontra num lugar pouco claro. Por um lado, é feito por encomenda dos arquitectos e está o mais próximo possível das representações - o que é que o arquitecto quer? O arquiteto quer mostrar ao público que a obra que vendeu ao cliente pode realmente ser fotografada e existe de fato. Esta é uma foto personalizada. A fotografia de arquitetura histórica certamente permanece em seu nicho. Isso é o que prefiro fazer na maior parte agora. Mas na realidade não existe fotografia crítica – nem como escola, nem como estética. E se há lugar para um fotógrafo, se há lugar para a estética, se há lugar para uma nova linguagem, não se sabe. Portanto, foi aqui que começamos e terminamos, só que de uma forma diferente. Esta foi a minha introdução, perdoem-me alguma confusão, à história da fotografia arquitetônica.

Agora vou mostrar meu projeto. Este é o primeiro trabalho que não realizei a pedido de arquitetos, mas em parte por iniciativa própria. Esta é uma série de Chertanovo, 1999, que foi realizada para a exibição de uma série de exposições com curadoria do arquiteto, artista plástico Yuri Avvakumov, um dos fundadores do movimento de arquitetura em papel dos anos 80. Foi uma série de exposições chamada "24". Ainda existe o sítio 24. Foto, está preservada. A propósito, Avvakumov e eu fizemos o design. Esta foi a ideia de Avvakumov, uma série de vinte e quatro exposições que abriam todas as segundas quintas-feiras de cada mês. Cada exposição tinha 24 fotografias, e elas deveriam ser de um fotógrafo que fotografasse arquitetura ou de um arquiteto que fotografasse ou de um artista que também trabalhasse com fotografia e arquitetura. E cada um dos autores convidados teve a liberdade de escolher o seu tema.

E justamente nessa época me mudei para Chertanovo, mas não para Severnoye, esta é uma área experimental, uma área residencial exemplar, que foi projetada nos anos 70 na oficina de Mikhail Posokin Sr. Um desses objetos bastante importantes do modernismo do pós-guerra para Moscou. Demorou muito para ser construído e foi mal construído, sendo construído apenas no início dos anos 80. Mas, mesmo assim, algumas ideias arquitetônicas básicas incorporadas nele estão lá. Em particular, uma destas ideias é que se assemelha muito ao brutalismo inglês dos anos 60. As ideias dos Smithsons em geral são bastante culpadas até nesta foto. Por exemplo, o facto de estar a ser introduzido relevo artificial nesta área.

Por exemplo, esta colina, sob a qual estão enterrados resíduos de construção. Mas este é o slide favorito das crianças locais. Apartamentos duplex, estúdios de artistas no andar de cima, aliás, artistas-arquitetos ainda trabalham lá. Em geral, este é um bairro que foi planeado como um bairro comunista exemplar; nessa altura, estava claro que o comunismo prometido por Khrushchev nos anos 80 não aconteceria e também não seria dado a cada família um apartamento separado. E, em geral, existem pequenos problemas com o socialismo. Mas a ideia era que fosse possível construir áreas distintas que fossem exemplares, como enclaves de um novo modo de vida. Em particular, no norte de Chertanovo, ainda funciona um sistema de eliminação de resíduos a vácuo fabricado pelos suecos. Em geral tudo é sério aí. Mas ainda era mais sério. Por exemplo, os corredores dos primeiros andares de todos os edifícios não são residenciais. De acordo com os projetos iniciais, desenvolvidos por sociólogos em conjunto com arquitetos, deveria haver geladeiras nos corredores, onde se pudesse deixar uma lista de mantimentos para a portaria, os mantimentos seriam comprados e à noite seriam na geladeira na prateleira do residente. Mas na verdade tudo isto foi construído bastante mal, a estrutura de separação do fluxo de trânsito e de pessoas, próxima do que Le Corbusier e Siam defendiam, esta estratificação horizontal, já tinha parado de funcionar na fase de construção. Ou seja, parte do fluxo de trânsito era permitido acima do solo ao invés de todo subterrâneo, então agora é impossível estacionar ali, é impossível trazer qualquer coisa para a entrada, está tudo lotado de carros e não tem como combater isso , porque as comunicações rodoviárias subterrâneas estão bloqueadas. Mas fiquei maravilhado com o que finalmente vi nesta arquitetura... se antes ela representava para mim tudo o que eu não gostava nesta arquitetura vida passada cinza, soviético, muito miserável e limitado. E a arquitetura para mim foi como um sinal dessa vida. Aí comecei a viajar pelo mundo, comecei a olhar o que acontecia na Europa nas décadas de 50 e 60, e de repente comecei a entender que existe essa ligação e que é preciso falar sobre ela. E aconteceu que foi no início dos anos 2000 que a comunidade arquitetónica e os jornalistas começaram a falar sobre o modernismo do pós-guerra, e este tema pareceu subitamente entrar em jogo.

Nikolai Malinin, meu coautor do livro, atribui isso a mim. Na verdade isso não é verdade. eu estava na hora certa no lugar certo e fiz alguma coisa necessária. E então fiz uma série sobre a existência dessa área, sem adornos, mas ao mesmo tempo um tanto romantizada ou algo assim. O curador Avvakumov escreveu então no texto da exposição que Brodsky disse que se uma bomba de nêutrons for lançada sobre Leningrado, destruindo todos os seres vivos, deixando para trás toda a infraestrutura, então São Petersburgo permanecerá. Mas Palmin provou que se uma bomba de nêutrons for lançada sobre Severnoye Chertanovo, então Severnoye Chertanovo permanecerá. Isto é o que escrevi sobre um Chertanovo tão celestial, desprovido de habitantes, um paraíso tão fracassado. Na verdade, este trabalho é extremamente importante para mim. E foi esse trabalho que me impulsionou ao que estou fazendo agora aqui, ao que estou tentando fazer em Moscou com a arquitetura, que parece estar privada da atenção do público. Estou muito interessado no tópico de direcionar conscientemente o fluxo da atenção, da visão, e não apenas da própria pessoa, mas através de si mesmo e de outras pessoas, para aquilo que está privado dessa atenção.